Cómo la cultura pop y la ansiedad climática han galvanizado a una nueva generación de artistas de arcilla

No hay escasez de exhibiciones de arte en arcilla para ver en este momento en todo el país. En el Museo de Arte y Diseño de Nueva York, “Funk You Too! Humor e irreverencia en la escultura cerámica” destaca 50 piezas audaces creadas desde la década de 1960 hasta la actualidad. Los artistas LGBTQ+ son el foco de “Making in Between: Queer Clay” que se exhibe en el Museo Americano de Arte Cerámico de Pomona. Y el Museo Metropolitano de Arte acaba de presentar “Grounded in Clay: The Spirit of Pueblo Pottery”, comisariada por Pueblo Pottery Collective y anunciada como “la primera exposición de nativos americanos curada por la comunidad en la historia del Met”.

Dos exposiciones inauguradas recientemente cerca del centro de Los Ángeles capturan especialmente la variedad de ideas de los artistas de arcilla contemporáneos. “Wayfinding”, la tercera bienal de arcilla de Craft Contemporary, presenta el trabajo de 14 artistas contemporáneos “que aprovechan las poderosas propiedades físicas y metafóricas de la arcilla para encarnar sus vínculos con la tierra y el agua”, como se describe en el sitio web de la exposición. A poca distancia en auto, “Clay Pop Los Angeles”, curada por Alia Dahl en Jeffrey Deitch, adopta un enfoque divertido y audaz de la arcilla, centrándose en las influencias de la cultura pop.

Estas dos exposiciones colectivas destacan los temas que los artistas contemporáneos de la arcilla están explorando, es decir, las ansiedades modernas en torno a la industrialización y el cambio climático, así como la memoria ancestral. A medida que los artistas contemporáneos continúan impulsando las posibilidades del arte cerámico, utilizan la conexión del medio con la naturaleza, el tiempo y la química para explorar narrativas tanto globales como personales.

Una artista que trabaja con arcilla, Courtney Mattison, radicada en San Francisco, crea obras que resaltan el cambio climático, basándose en su experiencia en ecología marina y estudios ambientales. “Our Changing Seas IV”, creado entre 2016 y 2019, se extiende sobre una gran pared en “Wayfinding”, sumergiendo al espectador. Mattison suele utilizar objetos cotidianos o herramientas que ella misma fabrica para recrear minuciosamente la textura de los arrecifes de coral.

"Quiero que la gente vea lo que yo veo cuando buceo en un arrecife de coral: que sientan que están flotando sobre él y descubriendo detalles desde todos los ángulos", dijo Mattison.

Esta forma de mirar de cerca requiere que también reconozcamos el blanqueamiento de los arrecifes de coral, como resultado del aumento de la temperatura del agua. La instalación de Mattison cambia de tonos coloridos y vibrantes a secciones blancas y austeras, llamando la atención sobre el hecho de que estos ecosistemas todavía están vivos: son sus esqueletos los que estamos viendo.

"Es esencial que el medio de mi trabajo sea la cerámica, ya que el carbonato de calcio es a la vez un ingrediente del esmalte y el compuesto precipitado por los corales para esculpir sus estructuras pétreas", dijo Mattison. “No sólo la composición química de mi trabajo es paralela a la de un arrecife natural, sino que los tentáculos de porcelana y los cuerpos de los corales vivos comparten una sensación de fragilidad que obliga a los observadores a mirar pero no a tocar”.

Basándose en décadas de trabajo en cerámica, Joan Takayama-Ogawa también incorpora las cuestiones del cambio climático a su arte, con varias piezas expuestas en “Wayfinding”. Estos van desde esculturas completamente blancas de 30 a 40 pulgadas que hacen un guiño a la Gran Barrera de Coral hasta pastelitos de cerámica de 4 pulgadas con jeringas dentro y su "glaseado" desprovisto de color.

Las piezas de cerámica de la artista y educadora contienen “mensajes aterradores” al mismo tiempo que se inclinan hacia la belleza, explica. Takayama-Ogawa recuerda cómo una estudiante de Otis trajo sus “trozos de coral blanco” desde Guam, su tierra natal. Eso fue en 2009; En 2015, la artista hizo del blanqueamiento de arrecifes de coral una parte importante de su práctica. Recientemente adoptó una nueva dirección: posponer los esmaltes coloridos.

"Mucha gente se sorprende de que esté trabajando de blanco en este momento", dijo Takayama-Ogawa. "Pero eso se debe a la intención y el concepto, y a la historia del coral blanqueado".

El paisaje cambiante y los efectos del hombre sobre la tierra influyen en muchas de las obras expuestas. Rowan Harrison, artista navajo y del pueblo de Isleta, dice que sus raíces en el suroeste incluyen “un fuerte linaje tradicional en lo que respecta al trabajo en arcilla”. El ceramista radicado en Fullerton tiene varias obras expuestas en “Wayfinding”, todas construidas y pintadas a mano. Dos obras sin título son especialmente sorprendentes por la forma en que muestran el enfoque de Harrison hacia los medios mixtos. Una vasija hecha de arcilla nativa, que Harrison a veces excava él mismo, está salpicada de clavos oxidados. Las formas contienen mundos opuestos: la energía terrestre de la arcilla yuxtapuesta con el clavo producido en masa.

"Ha habido situaciones en las que hemos perdido familiares, amigos y miembros tribales debido a esta idea de que la industrialización se desplaza o invade las tierras nativas", dijo Harrison. "Las piezas de metal representan ese tipo de tecnología... Estoy tratando de representar esta armonía o este equilibrio, por así decirlo".

El artista cita a Robert Rauschenberg, George Herms y Bruce Conner como inspiraciones de su interés por el ensamblaje. Harrison a menudo combina "motivos tradicionales de los Pueblo del Suroeste" con diseños más contemporáneos; a menudo recoge soportes, cubiertas de timbres y piezas de maquinaria y los lleva al estudio para ver dónde puede incorporarlos.

"Me considero uno de esos artistas nativos americanos que tienen un pie en el mundo tradicional y también un pie en el mundo contemporáneo; eso se basa en los materiales que uso y también en los elementos de diseño", dijo Harrison.

Lizette Hernández, cuyo trabajo aparece tanto en “Wayfinding” como en “Clay Pop Los Angeles”, también piensa mucho en los vínculos entre la tradición y nuestro momento presente. El artista radicado en Los Ángeles creó una serie de obras de raku para Craft Contemporary; En Jeffrey Deitch se pueden ver tres piezas de gres esmaltado y vidrio, también terminadas este año.

Al crecer en un hogar religioso, Hernández estaba familiarizado con las iconografías cristianas y los objetos sagrados. Títulos como “Cielo, Tierra, Guía, Guardia” (el nombre de sus piezas en Jeffrey Deitch, que se traduce aproximadamente como “Cielo, Tierra, Guía, Guardia”) recuerdan historias de guías ancestrales y seres celestiales. Pero ella ve la arcilla como “un material espiritual fuera de cualquier religiosidad”. Su trabajo se inspira en retablos y santuarios para explorar una definición más amplia de objetos sagrados.

En sus piezas visualmente complejas cocidas en raku en Craft Contemporary, adopta la oxidación de esmaltes y deja huellas de sus manos en la arcilla, enfatizando la colaboración entre ella y el material. Hernández considera cuidadosamente cómo el agua afecta la arcilla, incluso después de que se evapora: "el material mantiene su forma, por lo que conserva la memoria", dijo Hernández.

En ambos espectáculos, hay un respeto y entusiasmo palpables por las posibilidades de la arcilla en nuestro momento contemporáneo. Comparada con otros medios, la arcilla tiene cierta alquimia, química y transformación ligadas a su mística.

"Hay tantas cosas que pueden salir mal, pero también hay una gran sensación de satisfacción cuando obtienes los resultados que deseas", dijo Mattison. "A veces puedes abrir el horno y obtener algo incluso mejor de lo que esperabas".

A pesar de su fragilidad, la cerámica también tiene un poder innato: nunca se sabe lo que puede pasar en el proceso, pero ahí es donde reside la magia.

“El horno es el gran igualador y nos mantiene a la mayoría de nosotros bastante humildes”, dijo Takayam-Ogawa. Hernández se hace eco de este sentimiento y describe su relación con el proceso como una “rendición”.

“Trato de abrazar la arcilla y permitirle que tenga su propia vida, porque la tiene. Pasa por experiencias que yo no puedo vivir”, dijo Hernández. "Pasa calor extremo e interactúa con diferentes químicos... todo lo que tengo control es que mis manos se conectan con él".

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Esta historia apareció originalmente en Los Angeles Times.